古典芭蕾基本技巧简介

　　芭蕾舞作为一个象征着优雅气质的舞蹈在练习的时候有什么技巧呢?下面我为你整理了有关技巧练习，希望对你有所帮助。

　　古典芭蕾脚的5种基本位置

　　第一位：两脚跟紧靠在一直线上，脚尖向外180度;

　　第二位：两脚跟相距一足的长度，脚部向外扭开，两足在一直线上;

　　第三位：两脚跟前后重叠放置，足尖向外张开;

　　第四位：两脚前后保持一足的距离，两足趾踵相对成两直线，腿向外转;

　　第五位：两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转;

　　古典芭蕾手部基本位置：

　　1.瓦卡诺娃派(俄国派)

　　第一位：双手在正面的腹前成自然圆;

　　第二位：双手在旁侧伸，在视线范围内，手心向内;

　　第三位：双手上举在头上方的视线内;

　　2.却革底派(意大利派)

　　第一位：双手垂下成自然圆，手指轻触在大腿旁的位置;

　　第二位：双手在旁侧伸;

　　第三位：一手在身体前手心向内，另一手在旁侧伸;

　　第四位：一手在身体前与横隔膜保持相同的高度，然后同时上举在头的上方。

　　芭蕾舞的旋转：

　　1、半脚尖的“立”是旋转中最主要的一点。只有把脚尖立到最大限度，这样脚与地面的接触面才会减小，我们从物理学的角度来说，同一质量的物体，只有接触面小了，摩擦力才会变小。摩擦力小了，才能够用很小的劲，转得更快、转得“圈”更多。如若不然，我们用全脚掌去转“二位转”，想转个八九圈那简直比登天还难。从舞蹈上讲，用力一大就会从面部表现出来，舞蹈讲究的是美.在完成动作之前和之中，不应表现出任何不安来，而应给人一种轻松感和自如感以及一气呵成的整体感和舒适感。再说如果把一切力量都放在这个“圈”上，那么跳完一部作品又要费多大劲呢?怎么能有更多的精力去表现作品中的人物思想感情呢?

　　2、膝盖腰背脊如果不直立，胸是扣着的，那么想转好也是很难的。例如在“二位转”、“旁腿转”中，如果主力腿不直，腰背脊和胸不挺，那么力量就会被分解.也是不可能转好转多的。如果膝盖不绷直，特别是在芭蕾舞中，那就葬送了芭蕾的那种挺而苍劲的美感了。

　　3、在起法儿时，“蹲”也是非常重要的，我们常说“没有好的蹲，就没有好的跳”。其实我们也可以说“没有好的蹲，也就不会有好的转”。只有我们把蹲做好，才能有更好的“立”。

　　4、练习“旋转”的技巧，还要解决头部“晕”的问题.只有把“晕”解决掉，才能在转的过程中，把握方向。这其中有个小窍门就是“盯着看一点”，这是很关键的。所谓“盯着看一点”指的是舞者在以躯干为垂直轴做急速旋转时，必须用眼睛盯住正前方的某一个点不放。即使整个身体先转，也要把头部.特别是双眼要留在后面，以便继续“盯着看一点”，直到整个头部与身体的分离程度达到最大极限时，也就是当身体要进行第二圈旋转之前的那一瞬间，才将头和双眼猛的甩过去，并且要快于身体的速度，赶上身体转完第一圈之前还要找到刚才那个“点”，盯住不放，这就是我们通常所说的'“留头甩头”，可以说它是避免舞者头晕最好的方法。

　　5、“开”也是“转”的一个重要因素。这也是芭蕾舞中要求的最重要的一点，在“转”时，无论是起法儿，还是旋转过程中.都要求从下而上的脚踝、膝关节、胯关节的开度.如果都是“关”的。即使能转，舞姿也不会好看。

　　6、在“二位转”、“挥鞭转”、“旁腿转”时还要特别注意保持“空点转”的完美.即身体各部位的动态平衡。无论哪个部位失控下垂，旋转中的身体都会不自觉地往那儿跑，相反哪个部位过于紧张，旋转中的身体就会往相反的那侧跑。所以身体每个部位都要协调好，这样脚尖才能固定在一个点上完成几圈甚至几十圈的转。这就要求主力腿的稳定性了，完成这个动作的理想化标准，除了膝盖和脚背要绷直外，主力腿还要如板上钉钉一样，一动不动。

　　7、手臂在旋转时可以起到保持身体平衡和加速的作用。旋转时，手臂有时也有变化，但手位的变化只有顺着整个身体的旋转动势而动。才能即美化旋转本身，又不至于使它失去平衡〔A、每个动作完成之后都要有个结尾，“旋转”也不能例外.旋转完一定要能平稳的停住.身体不能松懈，舞姿不能变形，这也是我们在训练中往往被忽视的。这就要求我们不管是训练还是表演，都要养成一个好的习惯.把每个动作、每个技巧都做完整。

　　芭蕾舞的动作：

　　1、后下腰

　　动作步骤：右手扶把杆，左臂向前打开，上举过头。向后下腰，尽量将双肩放平，后背部收紧。

　　锻炼部位：背部肌肉，起到伸展、开肩、挺胸、阔背的作用。建议有拢胸不良习惯者多多练习。

　　动作误区：脖颈没有挺直，背部松懈，脊椎没有用力。

　　2、压腿

　　动作步骤：右手扶把，右腿放在把杆上，膝盖绷直，后背挺直向下压，注意身体一定要放正。

　　锻炼部位：抻拉腿部韧带，使腿型更加修长。

　　动作误区：膝盖弯曲，脚面没有绷直，背部弯曲。

　　3、下蹲

　　动作步骤：右手扶把，左手向身体斜下方伸展，双脚脚跟并拢，脚尖打开呈一字线。下蹲，双膝向脚尖方向打开，臀部向前顶。

　　锻炼部位：抻拉大腿内侧肌肉。

　　动作误区：下蹲时膝盖向前弯曲，这样对膝关节有害。

一、通过舞蹈教学开发幼儿们的智力 五六岁年龄段的儿童刚刚接触学前教育，学习内容比较简单，学习负担比较轻松，其精力完全可以投入到舞蹈专业课上。在这一时期，打好专业基础待其上学之后再转向以文化课学习为主，专业课学习为辅，相辅相成，互相要时期，其身体若任其自由发展，会形成一些不良的体态，如驼背，内八字脚等等。相反，如果在儿童时期就对其进行舞蹈形体训练，可促进的教学模式，这样可以在学业和专业两方面获得双丰收，促进儿童德、智、体全面发展。 五六岁的孩子理解能力较差，特别是在同一个时间内完成听音乐，做动作，思考问题，这对她们来讲比较困难，难以取得音乐节拍与形体动作的一致性，需要一段时间内的训练。这就要求幼儿时期的舞蹈教学一定要从一点一滴做起，不能急于求成。 首先，要讲清每一个动作的要领，并要形象生动地讲解，增强她们对动作的感性认识。其次，要讲清动作和节奏的关系。通过实践可以肯定：在一定时间内，听节奏，想动作、做动作]促使儿童的小脑和大脑同时启动，一是能够提高她们的注意力，二是能够促进她们思维发展，使她们的听觉、视觉、思维等方面都有了新的飞跃。可以说幼儿早期舞蹈教学是开发孩子智力的最有效的方法。 二、通过舞蹈训练，促进幼儿骨胳发育，提高她们的身体素质 五六岁的儿童的骨胳、肌肉、肌腱非常嫩，可塑性非常强，故而从幼儿开始训练舞蹈，可以纠正一些不良习惯导致的形体毛病。比如，有的孩子由于习惯于内八字脚形走路导致的小腿内侧弯曲，有的孩子凹胸，有的习惯于端肩，还有的轻微驼背等不良形态。有的孩子体质虚弱，经常生病。还有的孩子有“X型”腿型，有的肥胖，腿短等等。这些形体毛病在经过一段时间的舞蹈训练后能得到矫正和改善。实践证明，从幼儿开始进行舞蹈训练，可以改善形体，提高身体素质增强她们的体质。除此之外，我认为童子功对每个搞专业的学生来讲是非常重要的，从幼儿开始练功的孩子功底扎实，软度、开度、力度达到一定程度后，不容易回功，而且动作的协调性、摸仿能力，乐感也会日趋完美。 三、通过舞蹈训练，培养幼儿奋发向上的心理素质 舞蹈训练是很艰苦的。很多孩子刚开始练功时，因为苦，因为痛而流泪。我们要引导吃苦才能成为人上人的道理。只要努力拼博，汗水，泪水都不会白流，汗水、泪水会变成奖牌、掌声和鲜花的。 由于舞蹈中心的每堂课，都时刻贯穿着竞争意识和挑战的风气，不允许消极懒惰和漫不惊心，需要每个同学的刻苦努力，持之以恒。所以中心的每个同学不管风吹雨打都很少缺席。 在长期的实践教学中充分证明：舞蹈启蒙教学对少年儿童成长发育阶段的身心健康具有中要意义，此年龄段是舞蹈启蒙教学效果最佳时期。为了培养健康向上的一代，启蒙教学应从小抓起，从现在抓起。教学目的：少儿舞蹈着重培养孩子的综合能力，以便为孩子们的全面发展打下基础。它包括： 1.通过系统科学的训练，培育孩子们良好的姿态以及高贵的气质。 2.增强孩子身体的协调能力，培育身体对节奏的敏感性。 3.给孩子们美及艺术的熏陶，开发他们的艺术潜能。课程特色：寓教于乐，训练过程轻松愉快，适合少儿天性。

　　芭蕾舞基本功及其训练方法1

　　基本功：

　　在训练之前，从脚尖到整个大脚背都要活动开;

　　训练时，双手扶把杆，挺胸抬头、收腹提臀，双脚并拢站好，先从单脚背训练开始。

　　1-2拍：单脚脚后跟抬起，五个脚趾紧扒地面

　　3-4拍：脚尖绷直，向墙内推，使整个脚背绷成月牙型

　　5-8拍：换另一只脚，动作相同，双脚背练习亦同。

　　年龄小的学生在做此类训练中，注意力不集中，易低头去看自己和他人的动作，在做推脚背时，双脚容易打开，脚背推不起来，需要时刻提醒和规范动作。

　　训练方法：

　　芭蕾舞中“长”特点的训练方法

　　芭蕾舞中“长”特点是指舞蹈演员在做动作时一定要把动作做“活”，而这里的“活”就是要求动作要有延伸感，动作延伸了也就自然而然的“长”了。

　　芭蕾舞中“直”特点的训练方法

　　芭蕾舞中“直”特点首先要求舞者不管是站、坐、走、立还是做其他动作时，从头、颈、躯干、腿部都要直立向上，因为芭蕾舞给人感觉是最高贵、最典雅的舞种。

　　芭蕾舞中“绷”特点的训练方法

　　芭蕾舞中的“绷”不单纯是绷脚，而是在做plie、tendu、fondu、jete等一系列动作时腿也是绷紧的，尤其是大腿内侧的肌肉更要绷紧。但是绷紧不是僵硬，绷紧的目的是为了加强腿部的力度，更加灵活的完成舞蹈的技巧与动作。

　　古典芭蕾中“开”特点的训练方法

　　针对芭蕾舞“开”的特点训练时，初学者应注意从大腿到脚部的外开训练，要求我们的膝盖总是要打开的，站立时也是要抬头挺胸双肩打开。

　　芭蕾舞基本功及其训练方法2

　　1、芭蕾舞基本功和艺术表现力的关系

　　芭蕾舞是表情艺术，依靠肢体动作传达艺术表现，所以，艺术表现力是芭蕾舞表演中不可或缺的元素。芭蕾舞的学习和其他知识的学习一样，需要由浅入深，循序渐进，所以，基本功是芭蕾舞学习的基石，只有基本功扎实，才能学习更高超的表演技巧。芭蕾教学要求不仅严格，而且细致，从演员的站姿，手位，脚位开始，一步一步地由简单动作过渡到连续动作，再加上有难度的技巧性动作，就基本形成一小段舞蹈。当然，舞蹈的动作是作为艺术传达的一种工具，是比较外在的，是初学者应该掌握的基本技巧。随着学习时间和深度的增加，舞蹈学习的方向应该转向增加艺术表现力，从表面的动作转为内心情感的抒发。一段真正的舞蹈应该将基本的动作，内心的情感和舞蹈音乐高度融合，每一个动作都应该在一呼一吸之间收放自如。舞蹈依靠肢体动作传达艺术，每种舞蹈都反映着舞蹈背后的一种文化，芭蕾舞的起源于俄罗斯，成熟于法国，最开始只是宫廷贵族之间的一种舞蹈。所以，芭蕾舞舞者个个昂首挺胸，神态高贵，仪表端庄，举手投足之间流露出贵族的气息。精湛的芭蕾舞表演是技术和艺术的结合，所以，没有艺术表达的舞蹈就是机械的动作，没有基础技术的支撑再好的'艺术都难以表达。

　　2、认清基本功训练和艺术表现力培养

　　任何艺术的学习都分为基础和提高，芭蕾舞的学习也不例外。在初级阶段，芭蕾舞者主要就是学习基本功，只有基本功扎实才能学习更高的舞蹈技巧，如果基本功不扎实就强行学习更有难度的舞蹈技巧，学习者难以接受甚至无法接受更高强度的学习。在学习的初级阶段，艺术表现力的培养放在次要地位，穿插在学习者基本功练习的过程中，用来培养艺术感觉，调节基本功训练的枯燥乏味，缓解学习者紧张的心情和压力。在芭蕾舞学习的提高阶段，对基本功的要求不能松懈，在此基础上提高动作的难度，同时，学习舞蹈艺术表现力的学习。学习者在舞蹈学习的更高阶段，不仅是要将舞蹈动作展示出来，更要学习怎样将舞蹈动作展现的更有韵味，怎样将舞蹈动作同音乐，同呼吸，同个人的情感经历有机结合。芭蕾舞者在舞台上展示给观众的是最完美的表现，让观众在欣赏到优美动作的同时，心灵也受到震撼。芭蕾舞蹈演员就是要将动作，气韵，音乐完美结合。这些都是学习者在芭蕾舞学习的较高阶段需要接受的训练。

　　更重要的是，芭蕾舞的学习不能将基本功训和艺术表现力培养分开进行，这二者是相辅相成，不可分割的。在学习的过程中，根据不同阶段和不同学生的情况，基本功和艺术表现力培养侧重点不同，绝不是单一培养基本功或者艺术表现。

　　3、正确把握芭蕾舞的艺术表现

　　舞蹈是形体艺术，也是视觉艺术。如何表达这种艺术，我认为关键问题是解决两个部位—头与手。一般来说，在低年级教育阶段，就要求带头手做动作，学生手位、脚位必须放在老师要求的位里上，让学生的肌肉对基本手位、脚位有一定的反映能力。到了高年级学习阶段，学生具备了对头和手的控制，就会从必然王国走向自由王国。老师在表现力上要给以充分的指导，使学生的头和手能够在准确的位置上自由流动，加上学生音乐素养和表演意识的逐步提高，使得学生头和手的运动有血有肉，有情感，有气质，在表现情绪和精、气、神中，看不到手、脚经过准确位的死板，和按轨迹动作的拘谨，只感到了芭蓄舞的舒展和优美。在这里，老师的指导极为重要，要把学生从初级阶段相对刻板的动作中解放出来，升华到自如的准确位置，按轨道运动，与音乐、呼吸相结合，达到完美的理想境地。

　　在实践中我们认识到，加强头的表现力离不开眼睛，眼睛是心灵的窗户，既能体现角色的喜怒哀乐，又能与观众进行交流。演员一出场，几个动作的完成，观众就能分辨得一清二楚，其功底和修养在手、眼、身、法、步上留下明显的印记。加强头的表现力，可以准确地刻画所要表现的舞蹈形象。这里的手是指胳膊的统称，它既要模仿各种生命的形象，又要体现哑剧的特殊表达方式，它是人与人之间关系的交流和感情地体现。进人舞蹈的艺术升华阶段，老师在艺术指导上要启发学生的表演惫识，通过眼睛、手势、脚位等肢体语言，体现一种气质和精神面貌。要学生克服初学阶段的怪硬、死板和刻意模仿的痕迹，教给学生胳膊的呼吸方法，把身体解放出来，在一种无拘无束的状态下体现舞蹈的艺术价值，如果在这个阶段，不注重头和手的要求，不注重表现力的要求，学生的头、手和脚的位就会很乱，就不会协调，动作就没有精、气、神，作为教师来说，就没有达到教学目的。教师既要具备学生基本技能教学的需要，更要具备提高学生舞蹈艺术修养，增强学生艺术表现力的能力和素质。

　　总之，芭蕾舞是高雅的艺术，芭蕾舞者在舞台短暂的表演给欣赏者带来的是完美的视觉享受。但是，正所谓“台上一分钟，台下十年功”，芭蕾舞在学习的过程中需要付出非常多的时间和汗水，同时需要坚强，勇气和毅力。学习芭蕾的过程中，必须打好坚实的基本功，这样才能更深入地学习芭蕾舞，同时，有了技术的支撑，更加需要增强芭蕾舞的艺术表现力，只有将技巧融入到芭蕾舞当中，才能展现出芭蕾舞最完美的一面，才能给观众带来震撼人心的表演。